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domingo, 27 de octubre de 2013

YVES SAINT LAURENT

Yves Henri Donat Mathieu Saint Laurent (Orán, Argelia, 1 de agosto de 1936 - París, 1 de junio de 2008) fue un diseñador de moda y empresario francés, fundador de la marca homónima de ropa de alta costura.

Biografía
Primeros años
Nació en Orán, por entonces colonia francesa de Argelia, en el seno de una de las más ricas familias de la ciudad. Su padre, descendiente de un barón francés, era presidente de una compañía de seguros y propietario de varias salas de cine. Su abuela materna era española.

En Argelia, la Segunda Guerra Mundial y la ocupación nazi de Francia parecían sucesos lejanos, y no incidieron demasiado en la vida de Yves Saint Laurent y su familia. Siendo niño le gustaba interpretar personajes de Molière y leía con avidez la revista Vogue. Le atraía el mundo de los diseños para teatro. Por su carácter peculiar sufrió acoso escolar, que él intentaba superar prometiéndose: «Algún día seré famoso».

En 1950, Saint Laurent envió tres diseños a París, a un concurso convocado por el Secretariado Internacional de la Lana. Quedó en tercera posición, y acudió a recibir el premio acompañado de su madre. Sus diseños sorprendieron a Michel de Brunhoff, redactor jefe de Vogue, quien le recomendó que estudiase en la Chambre Syndicale de la Couture. Saint Laurent le hizo caso y tras graduarse en Orán se mudó a París, pero abandonó el curso al cabo de pocos meses, decepcionado.

En 1951 volvió a participar en el concurso del Secretariado Internacional, y esta vez resultó ganador, derrotando a un joven Karl Lagerfeld. Remitió más diseños a De Brunhoff, quien vio en ellos similitudes con un diseñador consagrado: Christian Dior. El responsable de Vogue envió estos diseños a Dior, quien vio al instante el talento de Saint Laurent y decidió sumarle a su taller.

Inicios con Christian Dior

Con 18 años, Saint Laurent entró a trabajar en la firma Dior, si bien sus tareas iniciales fueron más bien prosaicas: decorar el estudio y diseñar algunos accesorios. Sorprendentemente, Christian Dior le eligió como su sucesor en el cargo de Diseñador Jefe de la casa. Saint Laurent y su madre se extrañaron por la decisión de Dior, quien parecía demasiado joven para jubilarse. Moriría de un infarto ese mismo año.

En 1957, con 21 años, Saint Laurent se convirtió en el modisto más joven de la alta costura francesa. Su colección de primavera de 1958 alcanzó resonante éxito, al prolongar el estilo New Look acuñado por Dior. Este éxito contribuyó a rescatar la firma de una quiebra que parecía segura. Pero las creaciones posteriores de Saint Laurent cosecharon duras críticas, y su carrera en Dior se interrumpió en el año 1960, cuando fue llamado para cumplir con el servicio militar francés, coincidiendo con la guerra de independencia de Argelia. Saint Laurent había eludido la milicia hasta entonces gracias a influencias del propietario de Dior, Marcel Boussac, y se ha conjeturado que cuando Boussac quiso prescindir de él, movió los hilos necesarios para que le llamasen a filas.

Saint Laurent duró apenas 20 días en el ejército. Debido a las humillaciones infligidas por unos compañeros, sufrió un ataque de estrés y fue ingresado en un hospital militar. Allí supo que la casa Dior no le reservaba el empleo y que más bien había prescindido de él; esta noticia empeoró su estado emocional y fue ingresado en el psiquiátrico de Val-de-Grâce, un centro tristemente conocido por sus terapias agresivas. Saint Laurent sufrió electroshocks y le administraron sedantes y otras drogas, una etapa sombría que ayuda a explicar sus posteriores problemas emocionales y adicciones.

A finales de 1960 Saint Laurent abandonó el psiquiátrico, y al volver a París vio que su sustituto en la casa Dior era Marc Bohan, diseñador que se acercaba más al estilo «ladylike» (femenino a la antigua usanza) que se buscaba. Saint Laurent demandó a la empresa por daños morales con la ayuda de su amigo Pierre Bergé, y con el dinero recibido, sumado al apoyo financiero del empresario J. Mack Robinson de Atlanta, creó su propia casa de costura.

Fundación de la casa YSL
La primera colección, Ligne Trapéze, de ese mismo año, se convirtió en un éxito instantáneo. La imagen y el logotipo de la empresa (un monograma con las iniciales YSL superpuestas) se encargaron al diseñador gráfico francés Cassandre en 1961, y siguen en uso hoy en día.

La colaboración de Pierre Bergé fue sustancial para que Saint Laurent llegase a erigir una empresa sólida. Aunque interrumpieron su relación sentimental en 1976, siguieron conviviendo en la misma casa y colaborando, y Bergé fue el apoyo imprescindible que permitió a Saint Laurent seguir creando y superar sus crisis emocionales.

Sus colecciones en los años 60 destacaron por la incorporación del esmoquin al vestuario femenino y por la implantación del prêt-à-porter como una línea comercial completa; de hecho fue el primer creador de alta costura que presentó una línea de esta nueva categoría de moda. En 1966 inauguró su primer local que comercializaba prêt-à-porter. También fue el primer diseñador que incorporó mujeres de raza negra como modelos en sus desfiles.

Colaboraciones en cine y teatro
Diseñó decorados y vestuario para filmes y obras como Cyrano de Bergerac y La Pantera Rosa, colaborando con Roland Petit, Claude Régy, Jean-Louis Barrault, Luis Buñuel, François Truffaut, Alain Resnais (Stavisky, 1974), Jean Marais, Zizi Jeanmaire, Arletty, Jeanne Moreau, Claudia Cardinale (La panthère rose, 1963), Isabelle Adjani y convirtió a Catherine Deneuve en icono de estilo y musa personal.

Altibajos
Sus diseños nunca dejaban indiferentes a los críticos. El desfile de otoño de 1966, inspirado en Mondrian, causó sensación, pero otras propuestas no se libraron de críticas negativas. En 1971 Saint Laurent lanzó una colección inspirada en los colaboracionistas franceses durante la ocupación Nazi de Francia en los años 40 que fue masacrada porque se entendió que enaltecía los tiempos de la ocupación nazi («que él no conoció») y el «feo utilitarismo de la posguerra».

Las exigencias de producción en alta costura y prêt-à-porter (dos colecciones al año de cada categoría) le acarrearon un estrés creciente, que combatía con alcohol y drogas. En 1987 sufrió un traspié en críticas a raíz de un fallido desfile en Nueva York; exhibió chaquetas con aplicaciones de joyas de 100.000 dólares pocos días después de que un crack financiero sacudiese la ciudad. Desde entonces, fue delegando el diseño del prêt-à-porter en ayudantes, y esta gama de su producción apenas retuvo pujanza entre sus fans.

La marca Saint Laurent suscitó otro escándalo en la última etapa, cuando para promocionar un perfume masculino se recurrió a una fotografía de desnudo frontal, donde un modelo posaba con los genitales visibles; fue la primera (y única) imagen de este tipo que se recuerda dentro de la publicidad de alcance global.

Saint Laurent fue también conocido por su faceta mundana; acudía a discotecas como Studio 54, y era consumidor habitual de cocaína. Cuando dejó las drogas, sumó otra adicción más inocua: bebía al día varios litros de Coca-Cola. Su vida íntima daba que hablar, aunque su compañero Pierre Bergé siempre le apoyó y contribuyó a que la empresa no naufragase ni en los peores momentos del diseñador.

Saint Laurent y el arte
Saint Laurent y Bergé reunieron una importante colección de arte en su mansión de la calle Babylon de París, gracias en gran medida al éxito económico del perfume Opium (1977), el más vendido del mundo. Adquirieron obras como un importante retrato de Goya que perteneció a los Rockefeller (El niño don Luis María de Cistué) y una escultura de madera de Constantin Brancusi (actualmente quedan sólo tres en manos privadas). Sumaron pinturas de otros muchos artistas como Frans Hals, Cornelis de Vos, Ingres, Géricault, Picasso, Fernand Léger, Giorgio de Chirico, Édouard Vuillard, Edvard Munch, Matisse y Mondrian, así como dibujos y acuarelas de Manet, Paul Klee, Paul Gauguin, Degas, Toulouse-Lautrec, Alberto Giacometti y Cézanne. En fechas posteriores la pareja declaró que «con los precios actuales, ya no podemos seguir comprando».

Su afición por el arte le llevó a homenajear a maestros como Piet Mondrian, Picasso y Braque, con vestidos que reproducen sus motivos. Una exposición en La Coruña (febrero de 2008) ilustró esta influencia en su trabajo, mostrando sus diseños junto con obras de arte que los inspiraron.

Retirada en 2002
Yves Saint Laurent anunció su retiro del diseño de moda y las pasarelas en enero del año 2002.3 Se mostró decepcionado por la moda predominante, que a su juicio arrinconaba la ambición artística a favor del simple lucro «como si fuese hacer cortinas para ventanas».

Fallecimiento y subasta de bienes
Yves Saint-Laurent falleció en París el 1 de junio de 2008, a la edad de 71 años, tras una larga enfermedad de cáncer cerebral.1 Pocos días antes, formalizó su prolongada relación con Pierre Bergé mediante una unión civil, seguramente para solucionar cuestiones de herencia. Habían mantenido su relación amistosa hasta el final, si bien viviendo separados desde 1992.

Al funeral de Saint Laurent acudieron el presidente de Francia Nicolas Sarkozy y su esposa Carla Bruni, que había trabajado como modelo durante muchos años con la firma; así como por importantes personalidades vinculadas a la moda como Valentino, John Galliano, Jean Paul Gaultier, Claudia Schiffer, Naomi Campbell , Catherine Deneuve y Farah Diba.

Tras la muerte del diseñador, su colección de arte se dispersaba; su compañero Bergé comentó que tal conjunto se había formado como un proyecto de los dos que, al fallecer Saint Laurent, había perdido sentido. Se celebró una subasta de tres días, entre el 23 y el 25 de febrero en el Grand Palais de París a cargo de la firma Christie's. De los 733 lotes se vendieron 730 por un total de 373 millones de euros.4 El citado retrato de Goya se excluyó de la venta para ser donado al Museo del Louvre, y Bergé se quedó con algunas obras de Andy Warhol (retratos de Saint Laurent y de su perro favorito). Curiosamente, uno de los pocos lotes que no encontraron comprador fue el cuadro de Picasso Instrumentos de música sobre una mesa, la pintura con valoración más alta.

En mayo de 2009, se ha rumoreado que la antigua vivienda de Saint Laurent y Bergé en la calle Babylon podría ser adquirida por el presidente Nicolas Sarkozy y Carla Bruni como su nueva residencia.

En 2010, se hallaron diversos dibujos hechos por Saint Laurent que databan de los años 1970 y 1980, entre estos cuadros se encuentra un retrato desnudo del líder de Queen, Freddie Mercury, posiblemente hecho en Múnich, Alemania en 1984.

Influencia posterior
Saint Laurent ha pasado a la historia como el primer diseñador de moda que ha expuesto en un museo, el Metropolitan Museum de Nueva York. Creó, con Pierre Bergé, una fundación para la custodia y difusión de su legado creativo.

VALENTINO

Valentino Clemente Ludovico Garavani, mejor conocido como Valentino (11 de mayo de 1932), es un diseñador de modas italiano, cuya marca es una de las más prestigiosas del mundo.

También comercializa perfumes en colaboración con la compañía española Puig.

Biografía
Valentino empezó a interesarse por la moda mientras estaba en la escuela de Voghera en Lombardía, Italia, cuando era aprendiz de su tía Rosa y de la diseñadora local Ernestina Salvadeo. A los 17 años, Valentino se trasladó a París para proseguir su interés con la ayuda de su madre Teresa de Biaggi y su padre Mauro Garavani. Allí estudió en la Ecole des Beaux Arts y en la Chambre syndicale de la Couture Parisienne.

Su primera oportunidad en la capital francesa fue con Jacques Fath y luego con Balenciaga. A continuación encontró trabajo con Jean Desses, donde tuvo la oportunidad de ayudarle a diseñar el icónico estilo de la condesa Jacqueline de Ribes. Después de ese trabajo, se unió a Guy Laroche por 2 años. Cuando terminó ese período, decidió volver a su país natal en 1959, donde montó su propia casa de modas en la Via Condotti, Roma, con el respaldo de su padre y un socio. Así inició su larga relación profesional con la ciudad de Roma.

A grandes rasgos, el estilo de Valentino puede resumirse como una continuación sin rupturas con la tradición de la alta costura del siglo XX. Es una alternativa al estilo andrógino y rectilíneo de Giorgio Armani y también a la exuberancia más atrevida de Karl Lagerfeld, John Galliano, Jean-Paul Gaultier y otros diseñadores más rompedores. Valentino insiste en la feminidad de la mujer, en resaltar su silueta y en emplear tejidos lujosos y colores vivos. Dentro de un alto nivel de acabado y calidades, Valentino es más bien conservador.

Hacia 1998, Valentino vendió su empresa pero siguió dirigiéndola. Sin embargo, pocos años después se rumoreó que planeaba retirarse. Finalmente lo hizo con un histórico desfile en París, el 23 de enero de 2008. Previamente, en el segundo semestre de 2007, con motivo de sus 45 años de carrera, el Ayuntamiento de Roma había ofrecido una muestra retrospectiva, a modo de homenaje, donde era posible revisar sus creaciones en un escenario excepcional, el Ara Pacis del emperador César Augusto.

En 2009 se estrenó la película Valentino: The Last Emperor, un documental rodado a lo largo de un año, que desvelaba la vida profesional y privada del diseñador. También hizo un cameo en la película El diablo se viste de Prada (2006). A finales de 2011 lanzó, en colaboración con Puig, su nuevo perfume "Valentina" sustituyendo a sus dos anteriores perfumes Valentino V y Rock and Rose. El spot publicitario fue protagonizado por la modelo danesa Freja Beha Erichsen y dirigido por Johan Renck.

DONNA KARAN

Donna Karan (2 de octubre de 1948) es una diseñadora de moda estadounidense. Creció en Long Island con su padrastro que era un sastre y su madre que era una modelo. Entró en la firma que diseñaba para Ana Klein y ascendió rápidamente. Fundó su propia empresa y se hizo conocida para su línea de cuerpos elásticos.

Su colección de objetos de primera necesidad, ofreció siete piezas fáciles que cada mujer debería tener en su armario. Esta se hizo tan famosa que ahora son aproximadamente 200 piezas. DKNY es una colección moderna, juvenil, que dibuja del espíritu de vida urbana.

GIANFRANCO FERRÉ

Gianfranco Ferré ( pronunciación italiana:  [dʒanfraŋko ferɛ] ) (15 agosto 1944 a 17 junio 2007) fue un diseñador de moda también conocido como "el arquitecto de la moda" por su trayectoria y su actitud inicial hacia la creación de diseño de moda.

Antecedentes 
Nacido en Legnano , Italia , recibió el título de arquitecto en 1969 en el Politecnico di Milano universidad. En 1983, ingresó en la Academia Domus de fundar el profesor del Departamento de Diseño de Moda.

Ferré comenzó su carrera en la moda en 1970 por el diseño de accesorios, y luego trabajó como diseñador impermeable en 1972-1974. Él comenzó su propia compañía Baila en 1974 y ha lanzado su colección de la firma para las mujeres en 1978. La colección de su primer hombre apareció en 1982, luego en 1986 con su primera colección de alta costura en Roma. Ferré se convirtió en director estilístico de Christian Dior en París en 1989, cuando fue elegido por el propietario Bernard Arnault para reemplazar Marc Bohan . En 1996, se anunció que Ferré pondría fin a su compromiso con Dior con la colección de primavera 1997 de la etiqueta. 

Su propia etiqueta está más relajado y minimalista y de Dior. Camisas blancas sofisticados se han convertido en el símbolo de su firma personal en diseño de moda.

Ferré parecía ser muy crítico de las tendencias y los trucos de moda. Él se ocupó de su horario exigente, como responsable de una marca de moda más francés y su propio sello italiano, por los desplazamientos entre Milán y París en su avión privado. Ferré tenía una casa junto al lago en el Lago Maggiore, cerca de Milán.

Las líneas de productos 
Gianfranco Ferré: La línea principal para los hombres, las mujeres y los niños
Ferré: anteriormente conocido como el White Label, más práctico, listo para usar, tanto para hombres, mujeres. Dentro de esta línea, hay Ferré Red (para el tamaño más) y Ferré piel. Para los hombres Ferré también hay ropa interior Ferré.
GF Ferré: La línea más joven y deportivo, para los hombres, las mujeres
Gianfranco Ferré Fragrances 
Ferre Milano - línea casual para mujeres y hombres

Premios 
Ferré ganó una serie de prestigiosos premios incluyendo el L'Occhio d'Oro durante su carrera: 
Premio Oro d'Occhio (seis veces) al mejor diseñador italiano
Medalla de Oro de la ciudad de Milán
Commendatore del Ordine decoración del Presidente de la República Italiana
De Oro (Premio Golden Thimble) para su primera colección de alta costura de Dior Haute (1989)

Los datos económicos 
Propiedad 
El Gianfranco Ferré SpA es la sociedad holding que coordina el negocio de la moda de la etiqueta Ferré. Era propiedad de Gianfranco Ferré (Director Creativo) y Franco Mattioli (Chief Financial Officer) en partes iguales hasta que se vendió a Inversiones en marzo de 2002. Recientemente, Ferré anunció que el grupo planea convertirse en la lista en la Bolsa de Milán . Con el fin de prepararse para este movimiento Ferré comenzó a reorganizar la celebración significativa. El primer paso fue la contratación de personal con experiencia de gestión bajo la guía de Giuseppe Cipriano . El siguiente paso es la reducción del número de filiales a partir de hoy 21 de cuatro o cinco años en el futuro. 

Otra medida es la adquisición del productor de ropa Dei Mattioli , que es propiedad de Franco Mattioli . Ferré también parece estar interesada en adquirir algunos de sus contratistas, con el fin de tener un mayor control sobre la producción.

Rendimiento 
La compañía obtuvo unas ventas totales de 950 millones de liras (589 millones dólares) en 1994, un aumento del 15% con respecto a 1993, que se había mostrado disfrutó de un aumento similar en 1992 las ventas. 14 licencias de Ferré aportaron el 58% de las ventas totales en 1994. En 1996, las ventas totales ya estaban en 1250 millones de liras ($ 811 millones).

Exportaciones 
70% de las ventas Ferré se consiguen en la exportación, donde los EE.UU. parece ser el mayor mercado de creciente importancia. Italia aún posee el 20% de las ventas, pero el éxito de la empresa Ferré Jeans en los EE.UU. parece cambiar el foco aquí. El Studio 0001 mediante la línea Ferré, producido por el fabricante italiano de prendas de vestir Marzotto , está dirigido básicamente al mercado de los EE.UU.

Distribución 
Ferré distribuye en 17 tiendas exclusivas en todo el mundo (1994) y cuenta con más de 250 puntos de venta en total.

Productoras / licencias 
Aunque ya no está bajo la producción, el Studio 0001 y la Forma S fueron producidos por Marzotto, uno de los mayores fabricantes de ropa italiana. La ropa deportiva colecciones Oaks por Ferré y Ferrejeans utilizados para ser fabricado por Manifatture Italiana SpA , pero Ferré contrajo esas líneas para los próximos diez años para Ittiere, que también proporcione las colecciones puente de Dolce & Gabbana , Versace y otras. La gama de productos con licencia es muy amplia, incluyendo los zapatos, papelería, maletas, muebles para el hogar y perfumes. La última incorporación a esta lista es la licencia dada al fabricante suizo Swatch reloj.

La mayoría de las licencias externas fueron eliminados en 2003, dejando sólo la línea principal de Gianfranco Ferre, difusión Ferre, y GF Ferre joven / etiquetas de ropa deportiva.

Muerte 
Ferré falleció el 17 de junio de 2007. El viernes anterior, que había sufrido una hemorragia cerebral masiva. Ferré fue hospitalizado en el Hospital San Raffaele de Milán, donde fue declarado muerto a los pocos días.

PIERRE CARDIN

Pierre Cardin es un diseñador de modas, que nació el 2 de julio de 1922, en San Biagio di Callalta, región de Véneto, Italia, de padres franceses. Se trasladó a París en 1945. Allí, estudió arquitectura y trabajó con Jeanne Paquin después de la guerra. 

Trabajó con Schiaparelli hasta que se convirtió en jefe del atelier de Christian Dior en 1947. Cuando le denegaron trabajar en Balenciaga, decidió fundar su propia casa en 1950. Es así como Cardin se inició en la alta costura en 1953.

Trayectoria
Cardin era conocido por su estilo vanguardista, y de sus diseños de era espacial. Prefería las formas geométricas y los motivos, a menudo ignorando la forma femenina. Innovó al diseñar la moda unisex, comprobando que ésta es a veces experimental, y no siempre práctica. En 1954 presentó el "vestido burbuja"

Cardin fue el primer diseñador en exportar a Japón un mercado de «alta costura» cuando viajó allí en 1959.

En 1959, fue expulsado del Chambre Syndicale por el lanzamiento de una colección prêt-à-porter (listo para ponerse), para grandes almacenes (Printemps) lo cual era inapropiado para la época ya que era considerado el primer couturier (costurero) en París, pero pronto fue reintegrado. Sin embargo, se retiró de la Chambre Syndicale en 1966 y ahora muestra sus colecciones en el Espace Cardin del cual se siente orgulloso y el cual fue inaugurado 1971, en París, donde anteriormente estaba el Théâtre des Ambassadeurs, cerca de la Embajada de los Estados Unidos. El Espace Cardin también se utiliza para promocionar nuevos talentos artísticos, como grupos de teatro, músicos y otros.

Cardin ha expandido a otros mercados su marca entre los cuales se incluye un contrato con American Motors (AMC), tras el éxito de Aldo Gucci quien diseñó el interior de los vagones del Hornet Sportabout. Los automóviles AMC Javelin incorporaban en su interior diseños de Cardin resaltando la audacia y extravagancia, términos que definen exquisitamente al diseñador; estos automóviles estuvieron disponibles en 1972 y 1973. Un total de 4.152 coches recibieron un acabado interior combinando bandas chinas en varios colores creando un conjunto contra un fondo negro. Éste fue uno de los primeros autos americanos en ofrecer un paquete especial que permitía personalizar los asientos quitando los forros, idea creada por el entonces ya famoso diseñador de moda.

El Cardin Jaballins también vino con el emblema del diseñador en el frente y tenía una selección limitada de colores exteriores para coordinar con la personalización especial de los interiores.1

Su compañero diseñador, Andrè Oliver, que se unió a él en 1971 y asumió la responsabilidad de las colecciones de alta costura en 1987, murió en 1993.

Cardin fue miembro del Chambre syndicale de la Haute Couture y del Prêt à Porter y de la Maison de Haute Couture de 1953 a 1993. Al igual que otros muchos diseñadores de hoy, Cardin decidió en 1994 mostrar su colección sólo a un pequeño círculo de clientes y periodistas seleccionados.

Otros intereses
En 1981 adquirió los restaurantes Maxim's y pronto abrió sucursales en Nueva York, Londres y Pekín (1983). Actualmente posee una cadena de hoteles con el mismo nombre (Maxim). Cardin también ha obtenido la licencia de una amplia gama de productos alimenticios con ese nombre.

Durante la década de 1980 y hasta que a mediados de la década de 1990, fue el gran amigo y un miembro de una organización de la prensa del francés de música-pasillo, Circus, Danza y Artes presidido por un periodista muy conocido en Francia, Jacqueline Cartier, con autores o personalidades notables como Guy des Cars, Jean-Pierre Thiollet y Francis Fehr.

Cardin es propietario de las ruinas del castillo en Lacoste Vaucluse que en su tiempo fue habitado por el Marqués de Sade. Él ha renovado parcialmente el sitio y periódicamente organiza festivales de teatro allí.

En 2003, Cardin invitó al ballet de niños chechenos Lovzar a bailar en el espectáculo musical Tristán e Isolda, que realizó en Moscú.

En el 16 de octubre de 2009, Pierre Cardin fue nombrado Embajador de buena voluntad de la FAO,2 Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación.

ÓSCAR DE LA RENTA

Óscar de la Renta (nacido el 22 de julio de 1932 en Santo Domingo) es un diseñador de modas dominicano. Ha recibido importantes premios y, con el paso de los años, ha diversificado sus creaciones a muchas áreas del diseño. Además, sigue vinculado a su país natal a través de diferentes actividades benéficas.

Primeros años
De la Renta nació el 22 de julio de 1932 en Santo Domingo, capital de la República Dominicana. A los 18 años se fue a Madrid a estudiar pintura en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Comienzo de su carrera
En España descubrió su interés por el mundo de la moda, algo que no se había planteado hasta entonces, y empezó su carrera en esta industria trabajando con su amigo Cristóbal Balenciaga. En 1961, el acreditado Antonio Castillo lo contrató para trabajar como asistente de costura en la casa Lanvin en París, Francia. Dejó España para vivir durante unos dos años en París. Después viajó a Nueva York para colaborar con Elizabeth Arden.

Lanzamiento de su propia empresa
Le fue muy bien en su profesión en Nueva York y en 1965 creó con Jane Derby la compañía Oscar de la Renta, lo que constituyó el principio de su imperio. Ese mismo año presentó al público su primera línea de ropa propia.

En 1981, De la Renta trabajó durante cuatro años como diseñador de un completo uniforme para los Boy Scouts of America.

En 2001, Óscar de la Renta debutó con su propia colección de accesorios, que incluye bolsos, cinturones y zapatos. Entre otros productos de la empresa, se encuentran cosméticos, gafas, fragancias, pieles, joyería, bufandas y ropa para dormir.

Para los hombres, sus productos licenciados o registrados incluyen calcetería, abrigos deportivos, trajes y pantalones. Él también ha lanzado una línea de ropa deportiva en América Latina para hombres y jóvenes. En 2002, Oscar de la Renta Homme estrenó una colección de muebles y una colección de fragancias de hogar.

Óscar de la Renta ha sabido usar el glamour de sus creaciones para hacerse con un nombre internacional entre las grandes marcas de la moda de todo el mundo. Sus modelos elegantes realzan la belleza femenina con clase. Gracias a esto, ha triunfado y conseguido que sus boutiques estén presentes en la muchos países del mundo. Puede presumir, además, de haber hecho historia en 1993, al ser el primer latinoamericano en diseñar para una empresa francesa, en este caso la prestigiosa firma Pierre Balmain.

Reconocimientos
Su exitosa carrera se ha visto respaldada por numerosos premios y cargos importantes. De la Renta fue elegido dos veces presidente del Consejo de Diseñadores de América en los años 1970 y 80. Fue designado por el CFDA como Diseñador del Año 2000. Recibió el Premio Leyenda Viviente, dos premios Críticos Americanos de Moda Coty e incluso un Salón de la Fama Coty. En España recibió en el 2002 el popular premio Aguja de Oro.

A sus grandes e importantes logros en el ámbito del diseño de moda femenina cabe añadir que Óscar de la Renta ha abierto con igual éxito su empresa a otros campos, como la ropa de hombre, los accesorios o los perfumes. Ya en 1977 inició esta línea de negocio al lanzar al mercado Oscar, su primera fragancia destinada a las mujeres. No se detiene aquí y en años sucesivos se dedica a crear perfumes también para los hombres. Siguiendo esta tendencia, en 1980 aparece Lui y el famoso Oscar for men ve la luz a finales de la década de los 90. Otros aromas que también llevan el sello De la Renta son los exclusivos Volupt y So. Ha vestido a grandes como Melissa Carmelo, Madonna entre muchos más..

En febrero de 2011 se le concede, según Real Decreto 179/2011, de 11 de febrero, la Gran Cruz de la Orden de Mérito Civil, como Presidente del «Queen Sofía Spanish Institute» de Nueva York.

Ciudadanía
En 1971 Óscar de la Renta adquirió la ciudadanía estadounidense y renunció a su ciudadanía dominicana, ya que los Estados Unidos no se admitía en aquel tiempo la ciudadanía dual. Aunque le ofrecieran el cargo de embajador dominicano en los Estados Unidos, De la Renta rechazó separarse de su ciudadanía recién adquirida, y rehusó el nombramiento. Pese a todo, De la Renta se confiesa Dominicano en su corazón y en sus creaciones de moda, por lo que considera innecesario ostentar todo tipo de nombramiento público.

Aparición en la televisión Óscar de la Renta como firma de moda ha aparecido tanto en comentarios como en vestidos numerosas veces en la televisión. Como por ejemplo en un capítulo de la serie de HBO, Sexo en Nueva York. En él Carrie Bradshaw luce un vestido rosa que su novio Alexnadr Petrovsky le regala. También aparece en la caja de zapatos en la que Kitty Walker, de la serie cinco hermanos, guarda unas cartas que su marido no quiere que vea y a por las que manda a su hermana desde su cama del hospital. 

Familia
En 1967, Óscar de la Renta se convirtió en el tercer esposo de Françoise de Langlade (1931 - 1983), una editora jefe de la revista Vogue.

En 1989, el diseñador se casó con Anne France Engelhard (Annette) (1939 - ). Ella había estado casada con el editor de la revista American Heritage, Samuel Pryor Reed, siendo la única hija del banquero alemán Fritz Mannheimer y su esposa Marie Annette Reiss.

De la Renta tiene un hijo adoptado: Moisés de la Renta.

ROBERTO CAVALLI

Roberto Cavalli (15 de noviembre de 1940) es un diseñador de modas italiano.

Biografía
Cavalli nació en Florencia, Italia, en una familia aristocrática. Su abuelo, Giuseppe Rossi, fue un prolífico miembro del movimiento pictórico Macchiaioli, cuyo trabajo se exhibe en la Galería Uffizi. Cavalli decidió ingresar al instituto de arte local, concentrándose en la estampado textil. Mientras era aún un estudiante, creó una serie de diseños florales que llamaron la atención de importantes calceterías italianas.

A comienzos de los años 1970, Cavalli inventó y patentó un revolucionario método para estampar cuero y comenzó a crear parches de diferentes materiales. Estas técnicas las presentó por primera vez en París, recibiendo inmediatamente encargos de Hermès y Pierre Cardin.

Cuando tenía treinta años, presentó su primera colección en el Salón del Prêt-à-Porter de París para luego exhibirla en la Sala Blanca del Palacio Pitti de Florencia. En 1972, inauguró su primera boutique en Saint-Tropez, Francia.

En 1980 se casó con Eva Düringer, quien había sido su compañera y socia comercial durante largo tiempo. En Milán, en 1994, Cavalli presentó los primeros bluyines gastados con arena. En diciembre del mismo año, abrió tiendas en San Bartolomé, en Venecia y nuevamente en Saint-Tropez.

Además de la línea principal de moda, la cual se vende en más de cincuenta países, Roberto Cavalli diseña las línes RC Menswear y Just Cavalli desde 1998. La primera abarca el mercado masculino y la segunda está dirigda a la mujer joven con indumentaria, accesorios, anteojos, relojes, perfumes, lencería y trajes de baño. También existe la línea infantil Angels & Devils Children Collection, la línea Class, dos colecciones de ropa interior, zapatos, lentes, relojes y perfumes.

En el 2002, Cavalli inauguró su primera tienda-café en Florencia, decorada con sus distintivos estampados de animales. Poco tiempo después, abrió el café Just Cavalli en la Torre Branca de Milán y luego otra boutique en la Via della Spiga.

En junio de 2008, Cavalli declaró al diario estadounidense Women's Wear Daily que buscaba un socio, generando rumores de una posible venta de su negocio. Más tarde, aclaró que sólo necesitaba a alguien que se encargara de las finanzas de su empresa para él no distraerse del proceso de creación.1 En América solo cuenta con boutiques en Estados Unidos, México, Canadá y Panamá.

Cavalli reside con su esposa, Eva, y sus hijos en una villa de Florencia. Los veranos los pasa en su yate confeccionado especialmente por Cantieri Baglietto y galardonado con el premio Yacht Capital en el 2004.

Críticas
En el 2004, la comunidad india criticó duramente a Cavalli por comercializar una línea de lencería —diseñada para la tienda Harrods— que incluía imágenes de las diosas de Asia del Sur. La colección fue eventualmente retirada y se pidieron disculpas formales.

BILL BLASS

Bill Blass (22 de junio de 1922– 12 de junio de 2002) era un estadounidense diseñador de moda, nació en Fort Wayne, Indiana. Es conocido por sus prendas caras, por su estilo y sus combinaciones innovadoras de texturas y modelo. Él ha recibido muchos premios de moda.

Carrera profesional
Blass empezó su carrera profesional en 1946. En 1970, después de dos décadas de éxito en prendas de hombre y mujer, él compró Maurice Rentner Ltd., con el que se había unido en 1959, la nueva empresa formada se llamó Bill Blass Limitado. 

Para el año 1998, su compañía obtenía unos beneficios de unos 700 millones de dólares. Los diseños de Blass son unos de los más conocidos. Según afirmó Ellin Saltzman en New York Times, " Él es uno de los mejores diseñadores de moda del mundo".

Retirada y fallecimiento
En 1999 Blass vendió la empresa por 50 millones de dólares y se retiró a su casa en New Preston, Connecticut. En 2002 Blass falleció a cause de un cáncer.

ELIZABETH ARDEN

Elizabeth Arden (31 de diciembre de 1884 - 19 de octubre de 1966) canadiese que montó su imperio de cosméticos en Estados Unidos.

La señorita Elizabeth Arden creó la industria de la belleza de estadounidense hace un siglo. Su verdadero nombre era Florence Nightingale Graham. Educada en Málaga y nacionalizada estadounidense, era la personificación de la mujer profesional norteamericana. 

Se casó dos veces, pero no tuvo hijos. Había estudiado para enfermera, pero se pasó a la cosmética. Viajó de las zonas rurales de Canadá a Nueva York, donde abrió el primer salón de la puerta roja en la Quinta Avenida en 1910. Su primer producto consistió en una pequeña gama de cremas y lociones; cuando murió, dirigía un imperio que fabricaba 450 productos diversos, vendidos en todo el mundo.

Ella fue la primera en introducir el maquillaje de ojos a las mujeres de América y fue pionera en la creación del "cambio de imagen." Con el lanzamiento de Arden piel tónica, la compañía se convirtió en la primera en incorporar su nombre en un producto. Miss Arden desarrolló el primer viaje importante sobre productos de belleza, y fue la primera mujer en el negocio de los cosméticos que entrenó a un gran equipo de vendedoras, manifestando así su confianza en ellas.

Levantó su empresa con la teoría de que el ejercicio, la dieta, el masaje y la buena postura eran esenciales para la belleza. Solía levantarse temprano, comía frugalmente, trabajaba a un ritmo lento y siempre trataba a sus empleados amablemente. Arden fue pionera en una industria compleja, y la convirtió en un sector de fabricación de productos bonitos y modernos, y en una verdadera contribución a la sociedad humana. ‎

sábado, 26 de octubre de 2013

TOMMY HILFIGER

Thomas Jacob Hilfiger (Nueva York, 24 de marzo de 1951), conocido como Tommy Hilfiger, es un diseñador de moda estadounidense, fundador de la empresa que lleva su nombre y que fabrica ropa y joyas de alta categoría.

Biografía
Proveniente de una familia católica irlandesa, Tommy Hilfiger es el segundo de nueve hermanos. 

Tuvo claro desde temprana edad que quería dedicarse al mundo de la moda. Así, en 1969 comenzó a trabajar como distribuidor de ropa hippie. Luego, en los comienzos de la era disco (finales de los años 70 y primeros 80), trabajó en la marca Jordache.

Creó su propia línea en 1985 y, siendo casi un desconocido, lanzó una campaña con el siguiente mensaje: "Los cuatro mejores diseñadores de ropa de hombre son Ralph Lauren, Perry Ellis, Calvin Klein y Tommy Hilfiger". Desde entonces, Tommy Hilfiger se ha afianzado como una de las grandes marcas de ropa a nivel mundial.

El 15 de marzo de 2010, Phillips-Van Heusen adquirido Tommy Hilfiger por $ 3 mil millones

PACO RABANNE

Francisco "Paco Rabanne" Rabaneda Cuervo (n. Pasajes, País Vasco, España; 18 de febrero de 1934) es un diseñador de moda español. Es conocido mundialmente por sus creaciones textiles y por la utilización de colores y texturas diversas.

Además también da nombre a una marca de perfumes, gestionada por la compañía española de moda y perfumes Puig.

Su vida
Infancia y adolescencia
Francisco Rabaneda Cuervo nace en el año 1934 en el País Vasco. Su madre era la costurera jefa del diseñador Balenciaga y su padre era coronel de las fuerzas republicanas, esto marcaría su vida. Su padre fue fusilado por las tropas franquistas durante la Guerra Civil Española. Después del año 1939 vendría el exilio en Francia, donde la familia se refugió en Morlaix y, más tarde, en Les Sables-d'Olonne. Entre los años 1951 y 1963, estudió Arquitectura en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. Finaliza sus estudios produciendo millares de bocetos de moda.

Carrera
En 1959, Women’s Wear Daily publica una serie de siete vestidos de líneas geométricas muy depuradas y firmados por Franck Rabanne, un nombre que pronto conocería la fama. Entre 1955 y 1963, se encargó de diseños de bolsos para Roger Model y de calzado para Charles Jourdan. En el año 1963, es Laureado en la Bienal de París por una escultura para jardín, expuesta en el Museo de Arte Moderno.

De 1962 a 1970
De 1962 a 1966 fabrica artesanía de accesorios de fantasía, como botones o bordados sin hilo ni aguja, que se aplican a prendas de la alta costura firmadas por Balenciaga, Nina Ricci, Maggy Rouff, Philippe Venet, Pierre Cardin, Courrèges, Givenchy. Asimismo, en 1965 crea los pacotilles, accesorios de Rhodoid (pendientes, gafas, cascos) en colaboración con Michèle Rosier, Christiane Bailly y Emmanuelle Khan, los estilistas más en boga del prêt-à-porter industrial. Nace la firma “Paco Rabanne”, naciendo un modisto.

El 1 de febrero de 1966 tiene su primera "Colección manifiesto" presentada en el hotel George V: “12 vestidos imposibles de llevar fabricados en materiales contemporáneos”, adornados con discos y placas de Rhodoid. El 21 de abril, presenta, en el Crazy Horse Saloon, una segunda colección compuesta por trajes de baño de Rhodoid, lucida por las artistas del establecimiento. En septiembre, ahora el arquitecto, artesano y modisto Paco Rabanne innova, impacta y seduce con sus modelos de cuero ribeteado, plumas de avestruz y aluminio expuestos en París, en la galería de arte de Iris Clert. En octubre, monta en el nº 33 de Rue Bergère, un marco de decorado compuesto por tubos de acero y paredes negras. Creación de modelos para el cine: Deux ou trois choses que je sais d’elle (Dos o tres cosas que sé de ella), de Jean-Luc Godard; Les aventuriers (Los aventureros), de Robert Enrico; Two for the Road (Dos en la carretera), de Stanley Donen.

De 1967 a 1970 tiene una basto período en experimentos con materiales y proyectos revolucionarios: vestidos de papel, modelos de cuero fluorescente, metal martillado, punto de aluminio y piel tricotada. Creaciones audaces y significativas: vestido de placas de oro con diamantes engastados, lucido por Françoise Hardy; prendas ajustadas “Giffo” y vestidos hechos de botones. Creación de los “Rob’auto”, colección limitada de prêt-à-porter especialmente diseñada para la conducción de un automóvil. Vestidos creados para Casino Royale, película dirigida por John Houston, y Barbarella, de Roger Vadim. Creaciones adquiridas por los Museos de Arte Contemporáneo, como el MoMA de Nueva York. También, en 1969 colabora con el grupo español Puig. Tiene el lanzamiento de un primer perfume, “Calandre”.

De 1971 a 1989
De 1971 a 1975 se adhiere a la Cámara Sindical de la Costura en Francia. Paco Rabanne incorpora a sus colecciones el tejido con flecos, desgarrado o retejido, transforma los pañuelos de Cholet o los fulares en vestidos o los calcetines en mangas de suéter. Aparición de las máscaras, los corpiños y los chalecos de plástico ceñidos y de la textura en eslabón. En 1973 lanza su primer perfume masculino, “Paco Rabanne pour Homme”.

De 1976 a 1989 lanza una línea de prêt-à-porter masculino. Las colecciones de costura se enriquecen con nuevos materiales tratados de manera poco convencional: tejidos luminiscentes, papeles metalizados, ante calado o trenzado de metal, cortinas de abalorios de madera y formas espectaculares: peto con hombreras de metal martillado articulado, chaquetas esculpidas en piel, abrigos cometa, jubones de cota de malla y zapatos “de punta curvada”. Creación de los trajes para la obra de teatro “Par delà les marronniers” (Al otro lado de los castaños), de Jean-Michel Ribes. Entre 1979 a 1988, la saga de perfumes firmada por Paco Rabanne alcanza rápidamente el éxito internacional; lanzando así más: “Métal”, “La Nuit”, “Sport” y “Ténéré”. Por iniciativa privada de Paco Rabanne, se crea en París el Centre 57, destinado al patrocinio de artistas de la diáspora negra. Coproduce Salaam Bombay, película dirigida por Mira Nair, y consigue el oro en el Festival de Cannes.

De 1990 a 1998 lanza una línea de prêt-à-porter femenino. Las colecciones de costura multiplican los efectos luminosos muy trabajados, al igual que los volúmenes esculturales: discos con efecto espejo, plexiglás, reflejos láser, fibra óptica, etc., caracterizan el estilo Rabanne. Los accesorios (joyas, tocados y calzado) se consideran creaciones de pleno derecho. Recibe el “Dedal de Oro” en Francia por su colección primavera-verano de 1990.

De 1993 a 1996 crea dos nuevos perfumes “XS” y “Paco”. Si bien el primero afirma su virilidad, el segundo apuesta por la ambigüedad y se combina con la creación de una línea de prendas de vestir y accesorios unisex. Paco Rabanne publica una serie de obras fruto de su trayectoria espiritual, entre ellas, la “Trilogía sobre el tiempo”, reflexión sobre la condición humana y la búsqueda mística.

De 1990 a 2009
De 1999 a 2009 fin de la alta costura. El prêt-à-porter conoce un nuevo impulso bajo la dirección artística de Rosemary Rodríguez y, más tarde, de Patrick Robinson. Paco Rabanne también es pintor y diseñador. Expone sus obras pictóricas en Valbonne y presenta, en el salón Maison et Objet (Casa y objeto) una colección de seis sillas inspiradas en sus célebres texturas. Cabe destacar en 1999 el nacimiento del perfume “Ultraviolet”, con color y frasco inéditos.

Del 2001 a 2009 crea “Ultraviolet Man”, “Black XS”, “Black XS pour Elle” y “1 Million”, marcan el nuevo estilo de Paco Rabanne: anticonformismo, diseño, audacia e innovación. “1 Million” es un sensacional éxito mundial, ligado a la publicidad televisiva que tuvo.

viernes, 25 de octubre de 2013

STANLEY KRAMER

Stanley Kramer (29 de septiembre de 1913 – 19 de febrero de 2001) fue un director y productor estadounidense. Su trabajo fue reconocido con el premio En memoria de Irving G. Thalberg en 1961.

Primeros años
Stanley Kramer vivió junto a su abuela en la zona del barrio neoyorkino de Manhattan conocido como La cocina del infierno. Desde una edad muy temprana, Kramer tuvo contactos con la industria del cine. Su tío, Earl Kramer, trabajó en la distribución de las películas de la Universal Pictures y su madre de era secretaria de la Paramount Pictures. Así las cosas Kramer acabó sus estudios en el DeWitt Clinton High School del Bronx y en la Universidad de Nueva York. Kramer tenía pensado empezar derecho cuando en el último año de carrera, se le ofreció la posibilidad de trabajar en el departamento de elaboración de guiones de la 20th Century Fox.

En 1941, trabajó como ayudante de producción en The Moon and Sixpence y So Ends Our Night.1 Dos años después, Kramer es alistado en el ejército y trabaja en las unidades de cine de Nueva York. En 1948 Kramer crea una productora independiente, Screen Plays Inc. Sus socios en la compañía son el guionista Herbie Baker, el publicista George Glass y el productor Carl Foreman, al que conoció durante la guerra.

Aunque su primer trabajo con la compañía fue un fracaso, So This Is New York (1948), de Richard Fleischer, la siguiente película dirigida por Mark Robson, El ídolo de barro, protagonizada por Kirk Douglas, fue todo un éxito. La película recibió seis nominaciones a los Oscar: Mejor Actor, mejor actor secundario, mejor fotografía en blanco y negro, mejor banda sonora y mejor guion original y ganó el Oscar en la categoría de mejor montaje. En los siguientes años, Kramer produciría films tan importantes como Cyrano de Bergerac (1950), de Michael Gordon que supuso otro éxito rotundo como productor u Hombres, de Fred Zinnemann y que supondría el debut de Marlon Brando.

Época con Columbia Pictures
Una año después, Harry Cohn, presidente de Columbia Pictures ofrecería a Kramer la oportunidad de hacer películas con la firma de su estudio. Kramer tenía plena libertad de realizar proyectos siempre que no pasaran del millón de dólares de presupuesto. [cita requerida] Aunque Kramer aceptó el trabajo, se dedicó el resto del año a acabar un proyecto independiente de gran interés para él, Solo ante el peligro, un western dirigido por Fred Zinnemann. El proyecto, aparte de ser un éxito total de público, recibió cuatro Óscars: el de mejor actor principal (Gary Cooper), mejor montaje, mejor canción y mejor guion original, aparte de cuatro nominaciones más, entre las que estaban la dedicada al mejor director, a la mejor película y al mejor argumento.

En octubre de 1951, Kramer acabó su relación con Carl Foreman, que tuvo que testificar por su pasado comunista ante la Comisión de actividades antiamericanas. Kramer empezó a producir películas para Columbia. Una época poco fructífera donde cabe destacar Muerte de un viajante (1951), The Sniper (1952), The Member of the Wedding (1952), Hombres olvidados (1953) o ¡Salvaje! (1953), películas de escaso estilo, valor y éxito.

En 1953 el presidente de Columbia Harry Cohn y Stanley Kramer acordaron rescindir el contrato del productor. De todas maneras, Kramer quiso despedirse de la compañía con el único éxito de su etapa por la productora. El film, El motín del Caine, fue una adaptación de la novela de Herman Wouk y fue dirigida por Edward Dmytryk. A pesar del éxito, Kramer tuvo que resistir las críticas de la marina norteamericana ya que el papel irascible y tirano del teniente Philip Francis Queeg, que encarnaba Humphrey Bogart, atentaba contra la moral de la marina.

Etapa de director
Después de El motín de Caine, Kramer abandona Columbia y crea su propia productora, aunque en ésta ocasión en el cargo de director. En este tiempo, Kramer se ocupa de dirigir y producir sus propias películas. Así, surgen productos como No serás un extraño (1955) and Orgullo y pasión (1957). Aunque Kramer era conocido en todo Hollywood por sus ideas liberales, nunca fue incluido en la lista negra de Hollywood. En 1961, dirige ¿Vencedores o vencidos? lo que le vale su primera nominación para los Oscar como director.

En contraposición a sus proyectos más contestatarios y sociales, en 1963 Kramer produce y dirige la comedia multimillonaria El mundo está loco, loco, loco. Cuatro años después, Kramer realiza Adivina quién viene esta noche, una película muy polémica en su época por mostrar el matrimonio entre un hombre negro y una mujer blanca pero de la de la que se cree que el director se sintió profundamente orgulloso. El film recibió ocho nominaciones a los Oscar: mejor actor, mejor actor secundario, mejor actriz secundaria, mejor dirección artística, mejor director, mejor montaje, mejor banda sonora original y mejor película.

En los siguientes años, Kramer dirigió títulos como Bendice a los animales y a los niños (1971), Oklahoma Crude (1973) y Más allá del amor (1979). Kramer escribiría su propia autobiografía bajo el título A Mad Mad Mad Mad World: A Life in Hollywood y moriría el 19 de febrero de 2001 en Los Ángeles. Kramer tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood situado en el 6100 Hollywood Boulevard.

Filmografía
Como director:
No serás un extraño (1955) (Not as a Stranger)
Orgullo y pasión (1957) (The Pride and the Passion)
Fugitivos (1958) (The Defiant Ones)
La hora final (1959) (On the Beach)
Herencia del viento (1960) (Inherit the Wind)
¿Vencedores o vencidos? (1961) (Judgment at Nuremberg)
El mundo está loco, loco, loco (1963) (It's a Mad Mad Mad Mad World)
El barco de los locos (1965) (Ship of Fools)
Adivina quién viene esta noche (1967) (Guess Who's Coming to Dinner)
El secreto de Santa Victoria (1969) (The Secret of Santa Vittoria)
R.P.M., revoluciones por minuto (1970) (R.P.M.)
Bendice a los animales y a los niños (1971) (Bless the Beasts and Children)
Oklahoma, año 10 (1973) (Oklahoma Crude)
De presidio a primera página (1977) (The Domino Principle)
Más allá del amor (1979) (The Runner Stumbles).

Como productor:
El ídolo de barro (1949) (Champion) de Mark Robson.
Home of the brave (1949), de Mark Robson.
Hombres (1950) (The Men) de Fred Zinnemann
Cyrano de Bergerac (1950) (Cyrano de Bergerac) de Michael Gordon
The sniper (1952) (The Sniper) de Edward Dmytryk.
The member of the Wedding (1952) (The member of the Wedding) de Fred Zinnemann
Eight Iron Men (1952) (Eight Iron Men) de Edward Dmytryk
Solo ante el peligro (1952) (High Noon) de Fred Zinnemann
Los cinco mil dedos del Dr. T (1953) (The 5,000 Fingers of Dr. T.) de Roy Rowland.
Hombres olvidados (1953) (The Juggler) de Edward Dmytryk
El motín del Caine (1954) (The Caine Mutiny) de Edward Dmytryk
¡Salvaje! (1954) (The Wild One) de László Benedek.
No serás un extraño (1955) (Not as a Stranger), de Stanley Kramer.
Orgullo y pasión (1957) (The Pride and the Passion), de Stanley Kramer.
Fugitivos (1958) (The Defiant Ones), de Stanley Kramer.
La hora final (1959) (On the Beach), de Stanley Kramer.
Herencia del viento (1960) (Inherit the Wind), de Stanley Kramer.
¿Vencedores o vencidos? (1961) (Judgment at Nuremberg), de Stanley Kramer.
El mundo está loco, loco, loco (1963) (It's a Mad Mad Mad Mad World), de Stanley Kramer.
Ángeles sin paraíso (1963) (A Child Is Waiting), de John Cassavetes.
El barco de los locos (1965) (Ship of Fools), de Stanley Kramer.
Adivina quién viene esta noche (1967) (Guess Who's Coming to Dinner), de Stanley Kramer.
El secreto de Santa Victoria (1969) (The Secret of Santa Vittoria), de Stanley Kramer.
R.P.M., revoluciones por minuto (1970) (R.P.M.), de Stanley Kramer.
Bendice a los animales y a los niños (1971) (Bless the Beasts and Children), de Stanley Kramer.
Oklahoma, año 10 (1973) (Oklahoma Crude), de Stanley Kramer.
De presidio a primera página (1977) (The Domino Principle), de Stanley Kramer.
Más allá del amor (The Runner Stumbles) (1979), de Stanley Kramer.

Premios y reconocimientos
Óscars

AñoCategoríaPelículaResultado
1953Oscar a la mejor películaSolo ante el peligroCandidato
1955Oscar a la mejor películaEl motín del CaineCandidato
1959Oscar a la mejor películaFugitivosCandidato
1959Oscar a la mejor direcciónFugitivosCandidato
1961Oscar a la mejor película¿Vencedores o vencidos?Candidato
1961Oscar a la mejor dirección¿Vencedores o vencidos?Candidato
1965Oscar a la mejor películaEl barco de los locosCandidato
1967Oscar a la mejor películaAdivina quién viene esta nocheCandidato
1967Oscar a la mejor direcciónAdivina quién viene esta nocheCandidato

MICKEY ROONEY

Mickey Rooney (Brooklyn, 23 de septiembre de 1920) es un reconocido actor y animador estadounidense de cine, televisión y teatro muchas de ellas en los años treinta y cuarenta.

En 1982 se le otorgó el Óscar honorífico. Ganador de los premios Globo de Oro y Emmy.

Comenzó su carrera artística en su niñez, y en su adolescencia ya era una estrella por sus papeles como Andy Hardy. Es considerado el actor con la carrera profesional más larga (desde 1922 hasta la actualidad). 

En los años noventa participó en la serie de televisión The Adventures of the Black Stallion (1990-1993). Entre cine y televisión cuenta con 326 títulos.

Biografía
Su padre era escocés y su madre, estadounidense. Ha trabajado en más de 100 películas a lo largo de 91 años. También ha hecho series de televisión y algunos trabajos relacionados con este mundo. Sus papeles son de personajes de mucha simpleza y espontaneidad, que captan la simpatía de los espectadores.

Vida privada
Mickey Rooney se declaró en quiebra en 1996 porque debía más de 1,75 millones de dólares al IRS, el organismo del gobierno de Estados Unidos responsable de la recaudación de impuestos.

A pesar de su baja estatura y apariencia poco agraciada, es dueño de una personalidad desbordante en simpatía y mucha elocuencia. Se ha casado ocho veces (entre sus esposas figura Ava Gardner) y ha tenido 9 hijos en total:

1942-1943: Ava Gardner (1922-1990).
1944-1949: Betty Jane Rase (1927-2002), dos hijos.
1949-1951: Martha Vickers (1925-1971), un hijo.
1952-1958: Elaine Mahnken (1930-), cuatro hijos.
1958-1966: Barbara Ann Thomason.
1966: Marge Lane.
1969-1974: Carolyn Hockert, dos hijos.
1978 a la actualidad: Jan Chamberlin (1939-).

Filmografía
1932: El enemigo público número uno.
1927: Orchids and Ermine
1932: The Beast of the City
1932: Sin's Pay Day
1932: High Speed
1932: Fast Companions
1932: My Pal, the King
1932: Officer Thirteen
1933: The Big Cage
1933: The Life of Jimmy Dolan
1933: The Big Chance
1933: Broadway to Hollywood
1933: The Chief
1933: The World Changes
1934: Beloved
1934: The Lost Jungle
1934: I Like It That Way
1934: Manhattan Melodrama
1934: Love Birds
1934: Half a Sinner
1934: Hide-Out
1934: Chained
1934: Blind Date
1934: Death on the Diamond
1935: Sueño de una noche de verano.
1935: Ayer como hoy.
1935: The County Chairman
1935: Reckless
1935: The Healer
1935: Rendezvous
1935: Ah, Wilderness!
1936: Riffraff
1936: Little Lord Fauntleroy
1936: Down the Stretch
1936: The Devil is a Sissy
1937: Capitanes intrépidos.
1937: A Family Affair
1937: Captains Courageous (Capitanes intrépidos)
1937: Slave Ship
1937: Hoosier Schoolboy
1937: Live, Love and Learn
1937: Thoroughbreds Don't Cry
1937: You're Only Young Once
1938: Forja de hombres.
1938: Love Is a Headache
1938: Judge Hardy's Children
1938: Hold That Kiss
1938: Lord Jeff
1938: Love Finds Andy Hardy
1938: Boys Town
1938: Stablemates
1938: Out West with the Hardys
1939: The Adventures of Huckleberry Finn
1939: The Hardys Ride High
1939: Andy Hardy Gets Spring Fever
1939: Babes in Arms
1939: Judge Hardy and Son
1939: Hijos de la farándula.
1940: Armonías de juventud.
1940: Young Tom Edison (El joven Edison).
1940: Andy Hardy Meets Debutante
1940: Strike Up the Band
1941: Andy Hardy's Private Secretary
1941: Men of Boys Town
1941: Life Begins for Andy Hardy
1941: Babes on Broadway
1941: Chicos de Broadway.
1942: The Courtship of Andy Hardy
1942: A Yank at Eton
1942: Andy Hardy's Double Life
1943: The Human Comedy
1943: Thousands Cheer
1943: Girl Crazy
1944: Andy Hardy's Blonde Trouble
1944: National Velvet
1944: Fuego de juventud.
1946: Love Laughs at Andy Hardy
1947: Killer McCoy
1947: Los romances de Andy Hardy.
1948: Summer Holiday
1948: Words and Music
1949: The Big Wheel
1950: Quicksand
1950: The Fireball
1950: He's a Cockeyed Wonder
1951: My Outlaw Brother
1951: The Strip
1952: Sound Off
1953: Off Limits
1953: All Ashore
1953: A Slight Case of Larceny
1953: Marino al agua.
1954: Los puentes de Toko-Ri.
1954: Drive a Crooked Road
1954: The Atomic Kid
1955: The Bridges at Toko-Ri
1955: The Twinkle in God's Eye
1956: The Bold and the Brave
1956: Francis in the Haunted House
1956: Magnificent Roughnecks
1957: Operation Mad Ball
1957: Baby Face Nelson
1958: A Nice Little Bank That Should Be Robbed
1958: Andy Hardy Comes Home
1959: The Big Operator
1959: The Last Mile
1960: Platinum High School
1960: The Private Lives of Adam and Eve
1961: Breakfast at Tiffany's
1961: King of the Roaring 20's – The Story of Arnold Rothstein
1961: Everything's Ducky
1962: Requiem for a Heavyweight o Réquiem por un campeón.
1963: It's a Mad, Mad, Mad, Mad World
1963: El mundo está loco, loco, loco.
1964: Secreta invasión.
1964: The Secret Invasion
1965: Twenty-Four Hours to Kill
1965: How to Stuff a Wild Bikini
1966: The Devil In Love
1966: Ambush Bay
1968: Skidoo
1969: The Extraordinary Seaman
1969: The Comic
1969: 80 Steps to Jonah
1970: Cockeyed Cowboys of Calico County
1970: Santa Claus Is Comin' to Town o Santa Claus llega a la Ciudad (1970) como actor de voz
1971: Mooch Goes to Hollywood
1971: The Manipulator
1972: Evil Roy Slade
1972: Richard
1972: Pulp
1972: Historias peligrosas.
1973: The Godmothers
1974: Thunder County
1974: Rachel's Man
1974: Journey Back to Oz (voice).
1974: The Year Without a Santa Claus (voice).
1974: Érase una vez en Hollywood.
1975: Ace of Hearts
1975: From Hong Kong with Love
1976: Find the Lady
1977: The Domino Principle
1977: Pete's Dragon
1977: De presidio a primera página.
1977: Pedro y el dragón Elliot.
1978: The Magic of Lassie o La magia de Lassie.
1979: The Black Stallion o El corcel negro.
1979: Arabian Adventure
1979: Rudolph and Frosty's Christmas in July (voice)
1981: The Fox and the Hound (voice).
1981: Bill
1981: Odyssey of the Pacific
1982: The Emperor of Peru o El emperador del Perú.
1983: Bill: On His Own
1984: It Came Upon the Midnight Clear
1985: The Care Bears Movie o Los Cariñositos: la película, como actor de voz.
1986: Lightning, the White Stallion
1988: Bluegrass
1989: Erik the Viking o Erik, el vikingo.
1989: Little Nemo: Adventures in Slumberland, como actor de voz.
1990: Home For Christmas o Una casa por Navidad.
1991: My Heroes Have Always Been Cowboys
1991: La vida láctea.
1992: The Milky Life
1992: Sweet Justice
1992: Silent Night, Deadly Night 5: The Toy Maker
1992: Little Nemo: Adventures In Slumberland
1992: Maximum Force
1993: The Legend of Wolf Mountain o La montaña del lobo.
1993: The Magic Voyage, como actor de voz.
1994: Anochecer Rojo.
1994: Revenge of the Red Baron
1994: The Outlaws: The Legend of O.B. Taggart
1994: Making Waves
1995: America: A Call to Greatness
1995: En el camino de la vida.
1997: Asesinato a medianoche.
1997: Dos niños y un ladrón.
1997: Killing Midnight
1998: The Face on the Barroom Floor
1998: Animals and the Tollkeeper
1998: Michael Kael vs. the World News Company
1998: Sinbad: The Battle of the Dark Knights
1998: Babe: Pig in the City
1998: Animals with the Tollkeeper.
1998: Babe, el cerdito en la ciudad.
1998: Simbad: la batalla de los caballeros de la oscuridad.
1999: Holy Hollywood
1999: The First of May
2000: Internet Love
2000: Phantom of the Megaplex
2001: Lady and the Tramp II: Scamp's Adventure, como actor de voz.
2002: Topa Topa Bluffs
2003: Paradise
2005: Strike the Tent
2005: A Christmas Too Many
2006: The Thirsting
2006: To Kill a Mockumentary
2006: Night at the Museum o Una noche en el museo.
2007: The Yesterday Pool
2007: Bamboo Shark
2008: Lost Stallions: The Journey Home
2008: A Miser Brothers' Christmas, como actor de voz.
2010: Gerald
2011: The Muppets.

Televisión
En la última temporada de la serie "Full house" (conocida en España como "Padres Forzosos"), año 1994, aparece como artista invitado en el episodio de Navidad, haciendo el papel de un propietario de una tienda de regalos y artículos de broma.

1995: Los Simpson, en el episodio «Radioactive man» (1995) como actor de voz.

Premios
Óscar
AñoCategoríaPelículaResultado
1938Premio Juvenil de la AcademiaGanador
1939Mejor ActorHijos de la farándulaCandidato
1943Mejor ActorLa comedia humanaCandidato
1958Mejor ActorAmanecer sangrientoCandidato
1979Mejor Actor de RepartoEl corcel negroCandidato
1982Óscar HonoríficoGanador

FREDRIC MARCH

Ernest Frederick McIntyre Bickel (31 de agosto de 1897 - 14 de abril de 1975) fue un actor estadounidense ganador de dos premios Óscar.

Nacido en Racine, Wisconsin, fue al Winslow Elementary School, al Racine High School y a la Universidad de Wisconsin donde fue miembro del Alpha Delta Phi. Comenzó su carrera como banquero, pero en 1920 comenzó a trabajar como extra en películas rodadas en Nueva York, usando el apócope de su madre, Marcher. En 1926, aparece en obras de Broadway y, poco después, firma un contrato con la Paramount Pictures.

Su primer título cinematográfico de cierto relieve y donde ya adquiere un papel protagonista, le llega de manos de la directora Dorothy Arzner que le otorga un personaje de relieve en el filme La loca orgía (1929). Su buena interpretación le abre de par en par las puertas del éxito. March consiguió una candidatura a los Óscar en 1931 por The Royal Family of Broadway, en el que interpreta un papel inspirado en John Barrymore. La estatuilla la ganaría una año después por El hombre y el monstruo, y por segunda vez en 1946 por Los mejores años de nuestra vida. En 1954, March presentaría la 26ª edición de la ceremonia.

March fue uno de los pocos actores que consiguieron resistir un contrato de larga duración con los estudios y fue capaz de actuar por libre y escoger papeles para otras películas que no fueran de la Paramount.

Al mismo tiempo, estuvo trabajando en Broadway y Hollywood, hecho que explica que su carrera en la pantalla no fuese tan prolífica como podría haber sido. March, de todas maneras, ganó dos premios Tony al mejor actor: en 1947 por la obra Years Ago, escrita por Ruth Gordon; y en 1957 por la producción de Broadway de Eugene O'Neill, Long Day's Journey Into Night.

Además, March tuvo el honor de ser el primer Willy Loman en la obra de su amigo Arthur Miller, La muerte de un viajante (1951). Posteriormente, March interpretó a Willy Loman en la producción cinematográfica que Columbia Pictures realizó en 1951 dirigida por László Benedek.

Cuando a March se le diagnosticó el cáncer de próstata en 1972, parecía que su carrera estaba acabada. Aun así, March regaló al público una última interpretación maestra en The Iceman Cometh (1973) junto a Robert Ryan que también se le diagnosticó un cáncer terminal. Fredric March moriría en Los Ángeles, California, a la edad de 77 años. El actor tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood situada en el 1616 de Vine Street.

Óscar
AñoCategoríaPelículaResultado
1931Óscar al mejor actorThe Royal Family of BroadwayCandidato
1932Óscar al mejor actorEl hombre y el monstruoGanador
1937Óscar al mejor actorHa nacido una estrellaCandidato
1946Óscar al mejor actorLos mejores años de nuestra vidaGanador
1951Óscar al mejor actorLa muerte de un viajanteCandidato

Filmografía
The Great Adventure (1921), de Kenneth S. Webb.
Paying the Piper (1921), de George Fitzmaurice.
The Education of Elizabeth (1921), de Edward Dillon.
The Devil (1921), de James Young.
El pelele (The Dummy) (1929), de Robert Milton.
La loca orgía (The Wild Party) (1929), de Dorothy Arzner.
El misterioso crimen del estudio (The Studio Murder Mystery) (1929), de Frank Tuttle.
Paris Bound (1929), de Edward H. Griffith.
Jealousy (1929), de Jean de Limur.
Footlights and Fools (1929), de William A. Seiter.
The Marriage Playground (1929), de Lothar Mendes.
Toda una vida (Sarah and Son) (1930), de Dorothy Arzner.
Paramount on Parade (1930), de Dorothy Arzner.
La fascinación del bárbaro (Ladies Love Brutes) (1930), de Rowland V. Lee.
Fiel a la marina (True to the Navy) (1930), de Frank Tuttle.
Manslaughter (1930), de George Abbott.
Laughter (1930), de Harry d'Abbadie d'Arrast.
The Royal Family of Broadway (1930), de George Cukor y Cyril Gardner.
Honor entre amantes (Honor Among Lovers) (1931), de Dorothy Arzner.
El ángel de la noche (Night Angel) (1931), de Edmund Goulding.
Redimida (My Sin) (1931), de George Abbott.
El hombre y el monstruo (Dr. Jekyll and Mr. Hyde) (1931), de Rouben Mamoulian.
Strangers in Love (1932), de Lothar Mendes.
Tuya para siempre (Merrily We Go to Hell]) (1932), de Dorothy Arzner.
La llama eterna (Smilin' Through) (1932), de Sidney Franklin.
El signo de la cruz (The Sign of the Cross) (1932), de Cecil B. DeMille.
Tonight Is Ours (1933), de Stuart Walker.
El águila y el halcón (The Eagle and the Hawk) (1933), de Stuart Walker.
Una mujer para dos (Design for Living) (1933), de Ernst Lubitsch.
Mi vida entera (All of Me) (1934), de James Flood.
La muerte de vacaciones (Death Takes a Holiday) (1934), de Mitchell Leisen.
En mala compañía (Good Dame) (1934), de Marion Gering.
El burlador de Florencia (The Affairs of Cellini) (1934), de Gregory La Cava.
Las vírgenes de Wimpole Street (The Barretts of Wimpole Street) (1934), de Sidney Franklin.
Les Misérables (1935), de Richard Boleslawski.
Ana Karenina (1935), de Clarence Brown.
Vivamos de nuevo (We Live Again) (1935), de Rouben Mamoulian.
EL ángel en tinieblas (The Dark Angel) (1935), de Sidney Franklin.
María Estuardo (Mary of Scotland) (1936), de Leslie Goodwins y John Ford.
El caballero adverse (Anthony Adverse) (1936), de Michael Curtiz y Mervyn LeRoy.
Ha nacido una estrella (A star is born) (1937), de Jack Conway y William A. Wellman.
La reina de Nueva York (Nothing Sacred) (1937), de William A. Wellman.
Corsarios de Florida (The Buccaneer) (1938), de Cecil B. DeMille.
La fugitiva de los trópicos (Trade Winds) (1938), de Tay Garnett.
Se ha perdido una millonaria (There goes my heart) (1938) de Norman Z. McLeod.
Susana y Dios (Susan and God) (1940), de George Cukor.
La vida empieza hoy (Bedtime Story) (1941) de Alexander Hall.
Me casé con una bruja (I Married a Witch) (1942), de René Clair.
The Adventures of Mark Twain (1944), de Irving Rapper.
Los mejores años de nuestra vida (The Best Years of Our Lives) (1946), de William Wyler.
La verdadera historia de Cristobal Colón (Christopher Columbus) (1949), de David MacDonald.
La muerte de un viajante (Death of a Salesman) (1951), de László Benedek.
La torre de los ambiciosos (Executive Suite) (1954), de Robert Wise.
Fugitivos del terror rojo (Man on a Tightrope) (1954), de Elia Kazan.
Horas desesperadas (The Desperate Hours) (1955), de William Wyler.
El hombre del traje gris (The Man in the Gray Flannel Suit) (1956), de Nunnally Johnson.
Alejandro el magno (Alexander the Great) (1956) de Robert Rossen.
En la mitad de la noche (Middle of the Night) (1959), de Delbert Mann.
Herencia del viento (Inherit the Wind) (1960), de Stanley Kramer.
Vivir es lo que importa (The Young Doctors) (1961), de Phil Karlson.
Siete días de mayo (Seven Days in May) (1964), de John Frankenheimer.
Un hombre (Hombre) (1967), de Martin Ritt.
Tic, tic, .tic (...tick...tick...tick...) (1970), de Ralph Nelson.
The Iceman Cometh (1973), de John Frankenheimer.

Teatro en Broadway
Gideon (1962)
Long Day's Journey Into Night (1956)
The Autumn Garden (1951)
An Enemy of the People (1950)
Now I Lay Me Down to Sleep (1950)
Years Ago (1947)
A Bell for Adano (1944)
The Skin of Our Teeth (1943)
Hope for a Harvest (1941)
The American Way (1939)
Yr. Obedient Husband (1938)
Devil in the Cheese (1926)
The Half-Caste (1926)
Harvest (1925)
Puppets (1925)
The Melody Man (1924)